MÅL. på The Joyce: Fruktene av eklektisisme og samarbeid

Abraham.In Motion. Foto av Christopher Duggan. Abraham.In Motion. Foto av Christopher Duggan.

Joyce Theatre, New York, NY.
15. oktober 2019.

Kyle Abrahams Abraham.In.Motion (A.I.M.) søker å 'skape en stemningsfull tverrfaglig arbeidsgruppe' og å være 'en representasjon av dansere fra forskjellige disipliner og ulike personlige bakgrunner.' Selskapets program på The Joyce Theatre validerte disse viktige komponentene i oppdraget - eklektisisme og samarbeid. Både kommer fra - og dessuten trenger å blomstre - en holdning av åpenhet for å dele og vurdere andre perspektiver. En slik ånd og tilnærming til arbeid virker levende og bra hos A.I.M., gitt disse eklektiske verkene som er forankret i samarbeidsmetoder.

Store ringer , en verdenspremiere koreografert av Keerati Jinakunwiphat, åpnet programmet. Bevegelse - i formasjon og på kroppsnivå - reflekterte at basketballdansere beveget seg over scenen gradvis i linjer, og nådde lave og høye, som om de skulle dryppe og skyte. Lyder av slitasje reflekterte joggesko på banen. Belysning (av Dan Scully) fremkalte et sent nattespill eller en øvelse, dramatisk lavt og opplyste danserne fra siden.



Sprang og bevegelser var basert i samtids- og hiphop-vokabular, men hadde også et fotgjengerinnslag. Denne kvaliteten humaniserte danserne og hjalp til med å validere basketballtemaet. Mer teknisk bevegelse ville komme, til og med slående partnerskap - for eksempel at en danser vipper hoftene for å berøre den ene foten ned til bakken mens partneren hennes holdt den andre. Estetiske effekter vil også bli mer varierte og komplekse, for eksempel en seksjon med danserne bakbelyst - og derfor i silhuett.

tate mcrae alder

Avsnitt som tilsynelatende var improviserte, ville også komme, mens bevegelsen før dette i stykket - i kor og i separate grupper samtidig danset - virket satt. Jinakunwiphat tilbyr forskjellige måter en gruppe dansere kan bevege seg på en scene, hver for seg og sammen. Alt dette førte til en følelse av dynamisk energi og harmoni mellom grupper. Tekster mot slutten sa 'I'm good', mens danserne beveget seg med et enkelt spor. Bevegelsen og formasjonene i dette siste avsnittet (og andre) gjenspeiler motstand - men likevel var det et funksjonelt, harmonisk system i arbeid her. Alle virket i stand til å si sannferdig 'Jeg er god'. Jinakunwiphats bevegelse reflekterte forskjellige bevegelsesformer og inspirasjoner, utført av Abrahams allsidige dansere - eklektisisme og samarbeid i handling.

Vis ponni , koreografert av Abraham og danset av Marcella Lewis, kom neste. Det oser også av en lett kul, så vel som danserens stolthet og tillit til hennes egen hud. Lewis hadde på seg en gylden enhet (Kostymedesign av Fritz Masten), som skinnet akkurat mot det gule / oransje lyset (Lighting Design av Scully) fargene alle perfekt kontrasterte, men også på en eller annen måte harmonisk møtt. Lewis beveget seg med en slags sass, en lavmælt som så ut til å si at hun absolutt ikke hadde noe å bevise.

Hun bøyde knærne, jordet dypt, men nådde også langt utenfor seg selv med glatt strekkende lemmer. Hun utforsket forskjellige nivåer og beveget seg gjennom fryktløs frykt. Gest som ser ut til å etterligne en marionett, og fotarbeid av en stolt hestes bevegelse, fremmet arbeidets tema så vel som hip-hop-bevegelsesordforrådet. Likevel reflekterte disse flytende utvidelsene og gulvbaserte bevegelsesdelene samtidsbevegelsesordforrådet.

Dette arbeidet demonstrerte Abrahams evne til sømløst å blande så forskjellige bevegelsesidiomer, en dyktig og overbevisende eklektisisme. På visse punkter kom Doris Humphreys sitat om at alle dansene var for lange i tankene for meg. Jeg lurte på om arbeidet med åtti prosent av lengden ville ha hatt større innvirkning. Verk som soloer kommer inn i bildet med dette spørsmålet, tror jeg. Likevel var arbeidet generelt minneverdig og behagelig å oppleve.

Etter dette arbeidet kom Trisha Brown’s Bare Olos (restaurert av Cecily Campbell og Stuart Shugg), et arbeid av postmoderne bevegelsesingredienser og formet av postmoderne prosesser. Til en stillhet (bortsett fra deres eget pust og føttene som sliter) dyppet danserne hodet for å få ryggene sine til å gå, fra å sitte til å ligge. De brakte en albue inn i en side, den andre armen førte dem til å vende sidelengs med ryggraden flat, den albuen førte deretter armen for å bli med den andre armen for å nå fremover - aksentert, men likevel med en jevnhet som gelerte alle bevegelsene sammen. Alt dette danset de først sammen.

Så, over høyttaleren, ga noen dem instruksjoner som 'omvendt' og 'gren'. Det var derfor tilsynelatende et element av improvisasjon her, danserne var ikke klar over hvilke instruksjoner som ville komme når. De var imponerende på oppgave og skarpe til tross for denne uventede karakteren av det de ville bli bedt om å gjøre videre fra personlig erfaring, jeg kan si at bevegelsesendringer som retrograd er ganske vanskelig å pakke hjernen og kroppen rundt. På en måte er dette et element i en postmoderne dansers virtuositet. MÅL. dansere deri viste sin allsidighet her, og det større selskapet sin ånd av eklektisisme i inkluderingen av et så sikkert postmoderne verk (man kan med rimelighet hevde at vi nå er i en 'post-postmoderne' æra innen dans og i bredere kunst) . For å avslutte sa høyttalerstemmen 'vi fortsetter.' Dette føltes som et vindu inn i en dansekunstners virkelighet, hvordan de jobber mye, mye lenger på et verk enn det selv varer i tid.

Studier på et farvel var et koreografisk samarbeid mellom Abraham og hans selskapsdansere. Som det ofte er tilfelle når koreografer jobber på denne måten (og dermed en fordel ved å gjøre det), syntes bevegelse å reflektere danserens styrker og individuelle bevegelsesstiler. Ulike grupperinger av dansere som oppløses på forskjellige måter, igjen og igjen i et verk, gjenspeiler mengden av stemninger og energier som farvel kan reflektere - alt med en slags spenning eller tristhet, men disse situasjonene er sjelden enkle eller hyggelige. Avslutningen var spesielt kraftig, en danser sto alene på scenen og stirret rundt i rommet. Dette spørsmålet dukket opp for meg hva som er igjen etter et farvel, i og rundt seg selv?

silfida ballettakademi

Kokong , koreografert og danset av Abraham, påkalt et samarbeid mellom dans og live sang. Nyansene i bevegelsen hans tilpasset seg nyansene i den flerdelte vokalharmonien. Tydelig i det hele tatt - og særlig i Abrahams jordede, men likevel på en eller annen måte ambisiøse, håpefulle bevegelseskvalitet - var en sjel og generøsitet av ånden. Disse lagene i deres kreative tilbud, og i selve kreativiteten, føltes som en slags 'kokong' - innhyllet, skjermet dem gjennom selvtransformasjon og vekst. Disse kunstnerne som utførte sammen, utmerket seg i sine separate kunstformer, så ut til å gjøre denne 'kokongen' mulig.

Å avslutte natten var Aske , danset av Misty Copeland og koreografert av Abraham i samarbeid med Copeland. Jeg forventet ikke å se ballettikonet som danser Copeland den kvelden. Arbeidet eksemplifiserte både samarbeid og eklektisisme, gjennom sin samarbeidende koreografiske tilnærming og (sannsynligvis resulterende) moderne ballettbevegelsesidiom. Det som var mest minneverdig for meg i verket var Copelands tilstedeværelse og timing, snarere enn store triks 'triks' hun er en virtuos danser, men dette arbeidet virket innstilt på å markere hva som er der når man fjerner de høye nivåene av virtuositet.

Et sterkt grått fargevalg, Copelands vakkert flytende kort tunika i den fargen (Costume Design av Harriet Jung og Reid Bartelme), så ut til å gjenspeile den sparsomme sansen. Hva er igjen i asken etter at brannen brenner lyst og varmt? Biter av virtuos brennende flamme slikket fremdeles innimellom, for eksempel med raskt fotarbeid og høytflygende sprang. Som et hjerteslag, blir poengsummen ( Angrep / overgang av Alva Noto og Ryuichi Sakamoto med Ensemble Modern) følte seg reflekterende over bevegelsens kontinuerlige resonans (både for virtuos og mer gestal, intern bevegelse). Som alle verk i programmet den kvelden, Aske demonstrerte den kreative fordelene som er mulig når kunstnere holder entusiastiske åpne sinn for alternative måter å lage og forskjellige mennesker å lage med.

Av Kathryn Boland av Dance informerer.

Dele denne:

MÅL. , Abraham.In Motion , Alva noto , Cecily Campbell , Og Scully , danseanmeldelse , Moderne sett , Fritz master , Harriet Jung , Jinakunwiphat ble snudd , Kyle Abraham , Marcella Lewis , Misty Copeland , Reid Bartelme , anmeldelse , Anmeldelser , Ryuichi Sakamoto , Stuart Shugg , Joyce , Joyce Theatre , Trisha Brown

anbefalt for deg

Anbefalt